Mais où sont les oeuvres de Léonard de Vinci? ( 1452 Vinci-1519 Amboise)

A l'occasion du  500ème anniversaire de la mort de Léonard de Vinci, le Louvre nous propose une remarquable et très complète exposition sur l'oeuvre éclectique de l'artiste franco-italien. 
(du 24/10/2019 au 24/2/2020) 

Léonard de Vinci a laissé de nombreux carnets de croquis et de nombreux plans détaillés de ses diverses inventions qui sont pour la plupart conservés à la Bibliothèque Ambrosiana  de Milan et à la bibliothèque de l'Institut de France (1), mais il n'a laissé que peu de peintures achevées et authentifiées. 
En fait on attribue à Léonard de Vinci moins de 30 toiles et de façon quasi certaine à peine 20, toutes peintes entre 1472 et 1516,  à Florence (dans l'atelier de Verrocchio ou ailleurs), à Milan ou à Rome.
Fort heureusement ces quelques toiles estampillées "Léonard" sont  aujourd'hui pratiquement toutes conservées dans les musées d' Europe.



Pays/Musée détenteur          Tableau de Léonard                          dates d'exécution

-France
Paris/Musée du Louvre:         La Joconde                                          1503-1506
                                               La Vierge aux rochers                         1483-1486
                                               Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant        1510
                                               Saint Jean Baptiste                              1516
                                               La belle Ferronière                               1495
                                               Bacchus                                               1510-1515 


-Italie
Milan:                                    La Cène                                               1495-1498
                                               Le Musicien                                         1490
Florence/Offices:                   L'Annonciation                                      1472-1475
                                               L'Adoration des Mages                       1481
                                              Le Baptême du Christ                          1472-1475

-Vatican:                               St Jérôme                                             1480-1482

-Allemagne
Munich:                                 Madone à l'œillet                                  1478-1480

-Pologne
Cracovie                                 La Dame à l'hermine                             1485


exceptions faites pour les tableaux suivants  situés hors Europe:

-Russie 
St Petersbourg/Ermitage:         Madonna Litta                                     1491
                                                 Madonna  Benois                               1478        

-Etats-Unis
Washington/National Gal:           Ginevra de Benci                             1476
New York/privé                  :         La Madone au fuseau                     1501


(1) Pour mémoire et bien que ce ne soit pas une peinture, le "codex de Leicester" a été acheté par Bill Gates en 1994 pour la somme approximative de 30 millions de dollars. Cet ouvrage de 72 pages, rédigé en 1510 en écriture spéculaire, que l'on peut qualifier de scientifique (dessins de fossiles, description de mouvements de l'eau...) est exposé chaque année dans un lieu différent de la planète.

Pour mémoire, Léonard est né le 15 avril 1452 dans le petit village de Vinci en Toscane. A 17 ans, il quitte Vinci pour aller travailler à Florence dans l'atelier du célèbre et talentueux Verrocchio, qu'il finit par surpasser. A 30 ans, il se rend à Milan au service du prince Ludovic Sforza, il y peint la majorité de ses fresques et de ses toiles.  En 1502, à 50 ans, Léonard devient ingénieur militaire de César Borgia et en 1506, il est le peintre préféré de Louis XII roi de France qui occupe alors Milan. Le pape l'invite alors à Rome puis François Ier  le fait venir en France ou il lui donne Clos-Lucé, près d'Amboise. Léonard y meurt le 2 mai 1519.  




                                

Le Greco (1541 Crète-1614 Tolède)

Une  exposition consacrée à Le Gréco, se tient actuellement au Grand Palais du 16/10/2019 au 10/2/2020. 

Domenikos Theotokopoulos dit Le Gréco est un artiste européen par excellence qui a su marier la sobriété du style byzantin de la Grèce (sa patrie d'origine) et de l'Espagne (sa patrie d'adoption) avec  la tradition picturale et l' exubérance de Venise et de l' Italie (où il apprit son métier dans les ateliers du Titien et du Tintoret) . 

Le Greco : vue de Tolède (1604-1614)
New York the Metropolitan Museum of Art

 

En 1577, après Venise, Parme et Rome, le Gréco quitte l'Italie pour l'Espagne, sans doute plus que désorienté par les fresques et les peintures de Michel-Ange, dont il ne comprend pas l'érotisme affiché de corps inutilement dénudés. 

Sa "Vue de Tolède" à eu sur les peintres de l'Expressionisme et du Surréalisme l'effet d'une révélation, tout en permettant à cet artiste étonnant d'être redécouvert.

Il reste de plus le maître incontesté du Manièrisme européen.

les "arts premiers"

Comment et où classer les arts dits "premiers"?

Cette question resurgit lorsque l'on invoque les différentes formes de créations artistiques primitives ( comme par exemple celles exposées dans les collections du musée Chirac à Paris).

Faut-il englober dans ces "arts premiers",  l' art pariétal, récemment remis en lumière au centre Pompidou?

Difficile de les apparenter avec précision au canons artistiques précédemment inventoriés, comme  je l'ai souligné d'ailleurs pour l'art contemporain dans un de mes précédents articles.

L'art contemporain: un art à part (entière)?

On s'accorde à peu près aujourd'hui à classifier les différentes formes d'expressions artistiques de la façon suivante :

1/architecture
2/sculpture
3/dessin et peinture
4/musique 
5/littérature et poésie
6/arts de la scène ( théâtre, danse, mime...)
7/cinéma
8/arts médiatiques (photographie, radio et télévision)
9/bandes dessinées

Ce classement historique des formes d'expression artistiques est plus ou moins chronologique car les formes récentes ou contemporaines figurent à la fin de cette liste.

D'ailleurs pour la suite sont aujourd'hui sur les rangs pour la dixième place les arts contemporains comme les arts numériques, la mode et le modélisme, les jeux vidéo... etc...Et pourquoi pas aussi l'art contemporain?

Il n'est pas question ici de reléguer l'art contemporain en queue du peloton, mais de le situer à sa juste place chronologique.

De plus, peut-on rattacher avec justesse l'art contemporain à l'une (ou à plusieurs) des formes d'arts plastiques reconnues sans risquer de le brouiller, de le déposséder et même de l'anéantir?

En effet, comment définir précisément par exemple une "installation contemporaine "qui occupe l'espace comme peut le faire toute architecture, mais aussi toute sculpture ou même tout décor de théâtre. 

De même on peut se demander si le rattachement d'une oeuvre d'art contemporain à l'une des 9 formes d'expression artistique actuellement reconnues enrichirait véritablement celle-ci avec le risque potentiel de la défigurer.

Il est donc à mon avis, préférable de situer l' art contemporain complètement à part en lui octroyant de préférence toujours la dernière place du peloton des formes d'Art établies.  

D'ailleurs à partir de quand, de quelle époque,  l'art "contemporain" n'est plus considéré comme contemporain? Autrement dit au bout de combien de temps les oeuvres dites d'art contemporain sont décrochées des cimaises pour rejoindre l'anonymat des réserves de musées? Avant l'an 2000?, après 1950 et l'art dit "moderne"?....

Touteleurope.eu

Un site Internet incontournable pour ceux qui suivent au jour le jour la construction de l'Union Européenne ( pour ceux toutefois qui ne le connaissent pas encore) :

http://www.touteleurope.eu/

Et notamment pour les prochaines élections du dimanche 26 mai un panorama complet des candidats et de leurs stratégies

la peinture de dévotion

L'origine des peintures de dévotion est très lointaine, déjà dans l'Antiquité, les habitations, les temples et les tombeaux étaient la plus-part du temps ornés de peintures religieuses comme en ancienne Egypte ou mythologiques comme plus tard en Grèce ou à Rome...Ces premières peintures de dévotion faisaient alors office de livres d'images et d'enseignement, comme ce fut le cas aussi pour de nombreuses autres peintures de dévotion pendant plusieurs siècles en Europe.

En France et en Espagne, c'est pendant la période romane (11ème au 13ème siècle), que les églises se couvrirent de fresques de dévotion, comme en témoigne encore aujourd'hui l'église troglodyte de Vals en Ariège.

L'annonciation: fresque de l'église de Vals en Ariège 11ème siècle

Pendant la Renaissance italienne (du 14ème au 16ème siècle), de nombreux artistes: Botticelli, Raphaël, Michel-Ange, Léonard de Vinci...,  encouragés et "sponsorisés" par l'Eglise Catholique et les Princes de Florence ou de Milan, ont produit de nombreuses peintures de dévotion pour orner de fresques et de tableaux les églises et les palais. Ces artistes d'Italie furent bientôt suivis en  Europe par d'autres artistes locaux mais voyageurs: notamment Mathis Grünewald actif de 1503 à 1524 en Flandres et en Allemagne, et  Benjamin Quarton actif dans le sud de la France pendant cette période et à qui l'on doit "le couronnement de la Vierge (1453-1454)" exposé aujourd'hui à Villeneuve-lez-Avignon.

Quelques peintures de dévotion exposées au Musée de 
Villeneuve-lez-Avignon (XVème et  XVIIème)

Pieta (1495) Sandro Botticelli

La peinture de dévotion a continué de produire jusqu'à aujourd'hui de nombreux chefs-d'oeuvre qui ornent toujours les églises (et les musées!).

Cette thématique reste très vivante dans les pays orthodoxes comme la Grèce ou la Russie où les icônes soigneusement préservées dans les iconostases, continuent d'être respectées et vénérées, par l'ensemble de leurs populations.

Et dommage pour les iconoclastes de tous poils qui ne veulent toujours rien voir en peinture!

Les Impressionnistes en privé

Mardi 14 mai, un tableau de Claude Monet a été vendu au prix de 110,7 millions de dollars et c'est un nouveau record pour une toile impressionniste de cette période de l'histoire de l'art qui débute justement avec le tableau "Impression soleil levant" de Claude Monet en 1872, et qui se termine à la fin du 19 ème siècle, après avoir rallié de nombreux artistes et le public du monde entier jusqu'à aujourd'hui. 

En 2014, 17 peintres "impressionnistes" et 100 de leurs chefs-d'oeuvre avaient été exposés à Paris au musée Marmottan/Monet, avec notamment Auguste Renoir  qui faisait l'affiche:

                         

                             Auguste Renoir: Jeunes filles au bord de la mer (1894)
                                            crédit photo: Routhier pour Connaissance des Arts

La liste des peintres impressionnistes exposés était alors assez complète, puisque des tableaux d'Eva Gonzalès et de Guillaumin  figuraient dans les 100 chefs-d'oeuvre  exposés.
Mais pouvait-on aussi considérer et classer Manet, Boudin,  Cézanne et Corot comme des artistes impressionnistes?

Même si Claude Monet bat aujourd'hui tous les records de prix et de notoriété, faut-il  rattacher à l'impressionnisme tous les peintres du XIXème siècle en les situant même comme pré-impressionnistes ou post impressionnistes?

Union Européenne

Comment s'est construite l'Union Européenne en quelques dates clés :

1957 traités de Rome instituant la CEE entre la France, la RFA, la Belgique, l'Italie, les Pays-Bas et le Luxembourg

1973 entrée dans la CEE du Danemark, de l'Irlande, et du Royaume-Uni

1979 création de l'ECU ancêtre de l'Euro

1981 entrée de la Grèce

1985 convention de Schengen (suppression des contrôles d'identité aux frontières)

1986 entrée de l'Espagne et du Portugal. Acte Unique

1992 traité de Maastricht instituant l'Union Européenne

1995 entrée de  l'Autriche, de la Finlande, de la Suède

1997 traité d'Amsterdam

1999 création de l 'Euro

2000 traité de Nice

2002 l'Euro devient une monnaie fiduciaire ( monnaie unique de 13 états)

2004 entrée de Chypre(sud), de l'Estonie, de la Lettonie, de la Lituanie, de la Hongrie, de la Pologne, de Malte, de la République tchèque, de la Slovaquie, de la Slovénie. Projet de Constitution européenne ( traité de Rome 2)

2007 entrée de la Bulgarie et de la Roumanie

2013 entrée de la Croatie     

Une rapide histoire de l’Union européenne

"Six ans après la création de la Communauté européenne du Charbon et de l’acier (CECA) et trois ans après le rejet d’une Communauté européenne de défense (CED), l’Allemagne de l’Ouest, la Belgique, la France, l’Italie, le Luxembourg et les Pays-Bas signent, le 25 mars 1957 à Rome, les traitésfondateurs de ce qui deviendra plus tard l’Union européenne.

L’un met en place une Communauté économique européenne (CEE), l’autre une Communauté européenne de l’énergie atomique (Euratom). La CEE comporte alors quatre institutions : une  Commission, un Conseil des ministres, une Assemblée parlementaire et une Cour de justice.

Après la mise en place d’une politique agricole commune (PAC) en 1962, les droits de douane sont éliminés entre les six pays fondateurs le 1er janvier 1968. Le premier élargissement des Communautés a lieu en 1973 avec l’adhésion du Royaume-Uni, de l’Irlande et du Danemark. D’autres suivront de 1981 à 2013 pour intégrer l’ensemble des Vingt-Huit membres qui composent aujourd’hui l’Union européenne.

En 1979, l’Assemblée devenue Parlement européen est élue pour la première fois au suffrage universel direct. Puis l’accord de Schengen est signé en 1985 : il instaurera dix ans plus tard un espace de libre circulation à l’intérieur des frontières européennes.

La première grande réforme du fonctionnement des institutions a lieu avec l'Acte unique de 1986. Celui-ci généralise le vote à la majorité qualifiée au Conseil pour les questions touchant au marché intérieur et renforce le rôle du Parlement européen. C’est ensuite le traité de Maastricht qui, en 1992, crée l'Union européenne et permet 10 ans plus tard la mise en circulation de l'euro. Suivront d’autres modifications des traités en 1997, 2001 et enfin 2009 avec le traité de Lisbonne".                                                     

Préhistoire et Modernité au Portugal

Le centre Pompidou présente du  8 mai au 16 septembre 2019   une exposition originale sur l'influence de l'Art Préhistorique (pariétal?) sur les créations modernes et contemporaines.

"L'idée de « préhistoire » est une idée moderne, inventée au 19e siècle. Découverte grâce sa matérialité (fossiles, couches géologiques, artefacts...), elle suscite perplexité et fascination à l'ère moderne. Les découvertes préhistoriques sont photographiées, moulées et reproduites d'innombrables fois dans des publications, s'immisçant ainsi dans l'imaginaire populaire jusqu'à inspirer et questionner les artistes du 20e et 21e siècle. Ainsi, la prise de conscience d'une activité artistique puis la reconnaissance d'un art pariétal hantent les plus grands artistes : Picasso, Miró mais aussi Cézanne, Klee, Giacometti, Ernst, Beuys, Klein, Dubuffet, Smithson, Penone, Tacita Dean, de Chirico, Moore, Nash, etc.

L'exposition s'attachera à montrer la manière dont les artistes actuels regardent la préhistoire en tant qu'objet de fascination, « comme sujet », mais aussi comme modèle pour des expérimentations artistiques. Ainsi seront exposées de nombreuses œuvres modernes et contemporaines inspirées des découvertes et de l'imaginaire préhistorique. En regard, des pièces exceptionnelles, icones du paléolithique et du néolithique, seront les témoins des périodes préhistoriques. Enfin la préhistoire sera aussi évoquée en tant que discipline historique, anthropologique et artistique, à travers un large corpus de documents.

Ces trois axes se croisent dans un catalogue structuré en 8 sections, : la caverne, la grotte, les bêtes et les hommes, etc., avec de nombreux focus thématiques écrits par des spécialistes et historiens d'art. Ces focus, avec un système de doubles pages, sont autant de clés d'entrée dans le catalogue, conçu comme un ouvrage de fond pour un large public."


Mais il n'y a pas que la caverne et la grotte qui témoignent du génie créatif des hommes de la préhistoire et qui continuent d' influencer les artistes. Il ya également en Europe de nombreux dessins de "plein air" "sur le motif", qui nous rappellent le sens de l'observation et la volonté de témoigner des artistes européens de cette époque. Comme par exemple ceux de la Vallée des Merveilles dans le Parc du Mercantour, et surrout ceux de la Vila Nova de Foz dans la vallée de la Côa au Portugal. Ce site portugais  est le plus important site d'Art Rupestre de plein air du Paléolithique Supérieur de toute l'Europe!

Pourquoi s'intéresser à l'histoire de l'Art Européen?

La Liberté guidant le peuple (1830) par Eugène DELACROIX

Bien avant l'écriture, les humains ont  tenté de représenter leur environnement par le dessin et la peinture.  Puis ils ont progressivement tenté d'exprimer et de fixer leurs émotions et leur mémoire par la même démarche de communication.

Avec le langage, le dessin et la peinture, ont donc caractérisé et accompagné l'évolution des sociétés  humaines, pendant plusieurs millénaires.

Puis ensuite en Europe, les arts et la peinture  en particulier ont servi de support aux échanges culturels et commerciaux entre les nations, d’une manière particulièrement féconde, en s'appuyant sur des moyens de diffusion deplus en plus efficaces (imprmerie, photographie, internet...)

   
Quoi de plus naturel donc de vouloir aujourd'hui comme hier, retracer ces influences et cette évolution qui est au coeur même de la condition humaine européenne et de le rappeler dans l’Europe d’ aujourd’hui.

Raoul Dufy ou La Décoration et les Arts Décoratifs procèdent-t-ils de l'Art ou de l'Artisanat?

Comment peut-on définir ce qu'est la Décoration, et ce qu'elle apporte sur le plan de l'Art?

D'après le petit Robert, on distingue comme définition (ou sens) du mot décoration les deux aspects suivants:

n°1/ornements, parures, décors,

n°2/distinction, médaille, insigne,

On doit rajouter à la définition n°1 du Robert (celle qui nous interesse ici) les qualificatifs et les nuances contemporaines suivantes qui caractérisent aujourd'hui le travail des Décorateurs:

-feng-shui, ambiance, embellissement, mode,  désign, nouveauté...

Au crédit de la Décoration et des Arts Décoratifs: leurs influences et leurs diversités dans de nombreux domaines de la vie courante que sont l' urbanisme, l'habitat, le mobilier, l'habillement, la mode et les cosmétiques...

Mais aussi, une large vulgarisation  des formes et des couleurs, car l'artisan décorateur se doit d'approfondir sa connaissance des techniques, des matières, des nuances et des styles...

Au passif, l'effet de mode qui rend toute création décorative forcément démodée à plus ou moins courte échéance avec le risque de tomber dans l'oubli!
Mais aussi, l'effet décoratif n'est pas toujours l'apanage de l'homme (ou de la femme!) Ne trouve-t-on pas qu'une plante est décorative ou que la nature et ses paysages offrent parfois un beau décor.
Qui a dit qu'il n'y a d'Art qu'à l'échelle de l'homme (ou de la femme bien sûr!) c'est à dire qu'à l'échelle de l'esprit humain et de la mémoire collective.

Cependantde nombreux grands peintres ont été avant tout de grands décorateurs tels:

- les peintres de Pompéï, les enlumineurs du Moyen-Age, les peintres de fresques de la Renaissance, et de nombreux artistes tels Mucha, Klimt,  Dufy, Matisse, Soulages et autres artistes contemporains...

Laissons d'ailleurs parler Raoul Dufy qui a beaucoup travaillé dans les Arts Décoratifs:

-"décoration et peinture se désaltèrent à la même source"

-"ce sont les artistes qui font le goût d'une époque, les décorateurs ne font que suivre"

-"concevons en artistes et exécutons en artisans"

Est ce en temps que peintre ou en temps que décorateur que Raoul Dufy est passé  à la postérité?

Alors à vous de juger avec son tableau intitulé : la Vie en rose! 

Décoration, Art Décoratif ou bien Art tout court?

Raoul Dufy : La Vie en Rose

Wilhelm Hammershoi (1864-1916)

Du 14 mars au 22 juillet 2019, le Musée Jacquemart-André rend hommage à ce grand peintre danois :

  

Wilhelm Hammershoi (1864-1916): Ida reading a letter

Wilhelm Hammershoi (1864-1916): Nude

Laissons Camille Brunet exprimer ainsi ce que ce grand peintre danois a apporté à la peinture européenne:

« Figure majeure  de l'art danois du XIXe siècle et auteur prolifique de 380 peintures et dessins, Wilhelm Hammershøi est pourtant inclassable. Sa maîtrise de la lumière lui a valu le surnom de "Vermeer moderne des pays du Nord" ; son traitement des intérieurs vides annonce Edward Hopper ; mais, sur la scène européenne de son temps, la mélancolie de ses toiles et le choix de sujets apparemment dénués de toute narration ne semblent trouver d'écho chez aucun autre artiste.»

Après le Musée d'Orsay en 1998, la Royal Academy de Londres en 2008, c’est le  Statens Museum for Kunst de Copenhague qui lui rendit hommage en 2012. 

Aujourd’hui, il est légitime de donner à ce peintre une place de choix parmi les maîtres incontestés de la peinture européenne.

Wilhelm Hammershoi (1864-1916)

Wilhelm Hammershoi (1864-1916)

Wilhelm Hammershoi (1864-1916)

Wilhelm Hammershoi (1864-1916) : Fredericke Hammershoi, la mère de l'artiste

Hokusaï

Qui ne connait pas encore la vague de Kanagawa peinte en 1831 par l'artiste japonais Hokusai? Cette représentation d'une déferlante de tsunami a influencé depuis presque deux siècles le monde des Arts. Au Japon d'abord, puis en Europe quand Degas, Manet, Monet, Van Gogh, Pissarro  inventèrent l'Impressionnisme, puis aujourd'hui dans le monde entier avec la diffusion des images numériques emblématiques.

Hokusai exprime avec violence dans cette vague bleue, le contraste entre les forces de la Nature et la fragilité de la vie humaine. C'est avant tout avec le dessin et une sûreté de tracé extraordinaire, que l'artiste arrive à imprimer cette violence car il utilise ici très peu de couleur: juste du bleu de Prusse plus ou moins délavé et contrasté avec le jaune pâle du ciel serin.
Hokusai a travaillé toute sa longue vie durant et produit près de 30000 oeuvres. Ce sont essentiellement des dessins, gravures et estampes représentant des geishas, sumos, kabuki, mais aussi des paysages, des objets, des fleurs et des animaux avec la précision du photographe, mais toujours avec une virtuosité hors du commun dans le dessin et l'interprétation.     

Aphrodite de Rhodes

3 janvier 2019,
Parmi les souvenirs marquants (mais purement photographiques) ramenés d'une croisière en Méditerranée, il y a la petite Aphrodite de l'île de Rhodes, 

Ce chef d'oeuvre d'art hellénistique est une petite sculpture de marbre datant du 1er siècle avant notre ère, visible au Musée Archéologique de Rhodes (ancien Hôpital des  Chevaliers de St Jean).

Naturel, grâce, ingénuité, comment exprimer la beauté émanant de cette oeuvre pourtant classique et même antique?
Quel sculpteur d'aujourd'hui pourrait encore rivaliser en immortalisant dans le marbre ou le granit, par exemple, une reine de beauté avec ce réalisme et cette fraîcheur !

Une imprimante 3D? Dans le marbre? Pas encore!

Patrimoine d' Occitanie

6 janvier 2019
Qui ne connaît pas encore Le Patrimoine d'Occitanie, la très belle revue dirigée par Bernard Seiden,  dont le but est de nous faire découvrir et aimer tous les trimestres des reportages d':
"histoire, culture et création d'Occitanie"
notamment en dressant l'inventaire des expositions de peinture les plus significatives  de la Région et en développant  des  articles de fond remarquables sur les artistes, l'architecture, les sites historiques, comme par exemple ceux-ci parmi les derniers numéros parus: 

-La trace de Rome en Occitanie N°53
-Décors de terre cuite N°52
-Six fragments de la Renaissance toulousaine N° 52
-Grands maîtres romans N°51
-Décors peints du monde roman  au XXème siècle N°48
etc... 

En 2016, "Le Patrimoine d'Occitanie", anciennement "Midi-Pyrénées Patrimoine", s'est donc adapté à partir du numéro 47 à notre nouvelle région.

Cette revue par sa qualité, sa permanence, et ses articles de fond complète avec maestria les publications souvent virtuelles  et foisonnantes du site Internet d'art contemporain "Art Majeur en Occitanie" 

Notre association de peintres toulousains "Artistes Occitans" doit elle aussi savoir et pouvoir s'adapter à notre nouvelle région!

Affiches et publicité

9 janvier 2019

Le MATOU est le musée de l'Affiche de la ville de Toulouse. Il a été récemment rénové. Il est situé dans le quartier de St Cyprien, tout près des Abattoirs et du Château d'eau, musée de la photographie.

Le MATOU présente quelques unes des affiches de ses inépuisables et riches collections (plus de 20000 affiches), lors d' expositions temporaires régulièrement renouvelées. Ce musée expose ainsi ses affiches publicitaires sans noyer le visiteur sous une avalanche d'images aléatoires, car il  ne présente chaque fois qu'une seule thématique ou qu'un seul artiste. C'est efficace, agréable, pédagogique et souvent très artistique.

C'est aussi une façon de rappeler au visiteur l'intérêt et l'originalité de ces affiches comparée au matraquage des images affichées ou télévisuelles de la publicité d'aujourd'hui.

Inventive, drôle, esthétique, une seule affiche publicitaire traditionnelle suffisait souvent à faire passer le message publicitaire. Elle était souvent crée par de véritables artistes tels Toulouse-Lautrec ou Pierre Bonnard...

Aujourd'hui, la publicité utilise des moyens disproportionnés et rabâcheurs, avec pour résultat de fatiguer ou de frustrer le consommateur : affiches géantes omniprésentes,  films télévisuels publicitaires de plusieurs minutes avec des moyens techniques exorbitants, sans aucun égard pour la majorité des consommateurs  qui ne se sentent plus concernés.

En effet qui peut s'offrir les parfums prestigieux, les voitures de luxe,  les montres suisses, sinon qu'un faible pourcentage de notre population? Qui est de plus vraiment intéressé par les serviettes périodiques ou les crèmes hémorroïdaires si ce n'est qu'une minorité de la population?
Que penser de la publicité faite à Picasso par une marque de voiture? On peut penser a prime abord que la voiture-affiche d'aujourd'hui remplace efficacement les porte-faix d'autrefois, mais que peut apporter la peinture souvent brouillonne et dé-structurée de Picasso à un véhicule censé  être un modèle de technologie, de confort et d'efficacité? D'ailleurs on peut se demander qui a commandité cette publicité: la marque de voiture, les grands musées du peintre ou sa descendance?  
Il est vrai que le citoyen d'aujourd'hui n'est considéré, reconnu ou intéressant que parce qu'il est un consommateur.

Cette frustration permanente est sans doute dangereuse à la longue...pour notre société qui en perd ses repères.
Alors on souhaiterait presque le grand retour des belles affiches graphiques ? Elles permettraient aussi de faire travailler des artistes de talent!

A défaut n'attendez plus, courez-vite au MATOU en sortant des Abattoirs!...

Bonnard

"Tout l'effet pictural doit être donné par des équivalents de dessin. Avant de mettre une coloration, il faut voir les choses une fois, ou les voir mille."

Ainsi parlait Pierre Bonnard de la forme et de la couleur de ses tableaux.

Pour lui, le dessin ne devait pas être trop précis et devait laisser place à des approches "équivalentes" suggérées ou ébauchées. Pour la couleur si elle n'était pas saisie du premier coup d'oeil, elle pouvait aussi être  rendue en "mille" nuances de couleurs subtiles, changeantes et reprises au gré de la vision souveraine de l'artiste.

Il arrivait ainsi à Bonnard de corriger les couleurs de son tableau, même sur les lieux d'exposition!

Où peut-on voir aujourd'hui en France, les oeuvres de Pierre Bonnard?

Presque partout si l'on en croit le guide des Musées de France de Pierre Cabanne (en 1984, ce guide ne recensait pas encore la trentaine de toiles acquises par la fondation Bemberg à Toulouse).

Aix-les-Bains Musée du Docteur Faure:

Albi: Musée Toulouse-Lautrec: Intérieur à Ciboure

Besançon: Musée des Beaux-Arts: Place Clichy, le Café du Petit-Poucet

Caen:  Musée des Beaux-Arts: Le portrait de Mme Fontaine

Colmar: Musée d'Unterlinden: Paysage normand

Grenoble: Musée de Peinture et de Sculpture: Intérieur blanc

Lyon: Musée des Beaux-Arts: Intimité

Montpellier: Musée Fabre: Uriage

Nancy: Musée des Beaux-Arts:

Nice: Musée Chéret: Fenêtre sur la Seine à Vernonnet

Paris: Musée d'Art Moderne, Musée d'Orsay, Musée du Petit Palais, Musée d'Art Moderne de la ville de Paris: L'Amandier en fleurs, Femme assoupie sur un lit...

Poitiers: Musée Ste Croix: Sur le yacht

Reims: Musée des Beaux-Arts: Portrait de femme

Saint Germain en Laye: Musée du Prieuré: Sous la lampe

Saint Paul de Vence: Fondation Maeght:

Saint-Tropez: Musée de l'Annonciade: Nu devant la cheminée, Vue du Cannet, La Route rose

Toulouse: Fondation Bemberg: ..une vingtaine de toiles ...

Trouville: Musée municipal: Embouchure de la Touque

Troyes: Musée d'Art Moderne: Dessins

Cependant une telle dispersion géographique et chronologique des toiles du maître (conservées en France, sans oublier celles de l'étranger...) n'en facilite pas la lecture et la compréhension.

Comment  saisir et analyser l'évolution picturale de ces oeuvres ? Comment confronter les recherches (novatrices en son temps) de Bonnard sur la forme et de la couleur?

Bonnard  mérite certainement que lui soit bientôt dédiée une grande exposition et pourquoi pas à Toulouse, à la Fondation Bemberg ou aux Abattoirs? 

Fresques et peintures murales de Toulouse

13 janvier 2019
Toulouse n'est pas (encore ) Florence! Et pourtant on dénombre dans la Ville Rose plus de cent hôtels Renaissance et de très belles églises réparties dans un patrimoine urbain exceptionnel.
On pourrait arguer que les Palais et les églises de Florence sont avant tout de véritables écrins où s'affichent d'innombrables  fresques et oeuvres d'art. Sans aucun doute...Mais Toulouse, ville discrète, en possède aussi beaucoup de méconnus. Par exemple si les fresques urbaines contemporaines et le Street Art sont bien visibles sur les façades de la ville, on ne peut pas toujours en dire autant des fresques intérieures plus anciennes.
Voici par ordre chronologique et par monument, les fresques toulousaines les plus remarquables:

Roman: St Sernin, Les Jacobins...
Renaissance: Les Augustins...
Classique: Institut Catholique, église du Taur
Baroque: Chapelle des Carmélites

Chapelle des Carmélites

Fin XIXème: église St Pierre des Chartreux

St Pierre des Chartreux

Début du XXème: galerie des Illustres du Capitole  avec des oeuvres de JP Laurens

Le Capitole:
Salle des Illustres

 et d'Henri Martin (1860-1943) avec "les Promeneurs" et "les Faucheurs" ..
De nombreuses fresques Modern Style sont encore situées dans les demeures particulières du quartier des Chalets (notamment Bd Honoré de Serres)

Les Faucheurs

                     
Art Nouveau: Bibliothèque du Patrimoine, rue du Périgord avec les peintures murales de Marc Saint-Saens de 1933: le triptyque monumental"Le Parnasse Occitan".

Le Parnasse Occitan

Epoque contemporaine: Arcades du Capitole avec 29 tableaux de Raymond Moretti de 1977, retraçant l'histoire emblématique de Toulouse depuis les origines jusqu'à aujourd'hui, en évoquant  notamment le chanteur "Claude Nougaro" et sa chanson "Mon Pays"